Cinéaste clivant, personnalité controversée, du milieu des années 80 à la fin des années 90, Oliver Stone est l’une des figures les plus importantes du cinéma américain. Parcours atypique : très jeune, il se porte volontaire en s’engageant à l’armée, puis part au Viêt Nam à l’âge de 21 ans, durant cet épisode traumatisant (qui ne manquera pas de nourrir ses travaux futurs) dont il reviendra médaillé, il expérimente la photographie. À son retour, il reprend les études et intègre la Tisch School of the Arts (Université de New York), s’orientant alors vers le 7ème art, ce qui lui permet de faire deux rencontres importantes, LIoyd Kaufman, fondateur de la Troma Entertainment et Martin Scorsese qui deviendra son professeur. Il se fait la main en réalisant deux séries B horrifiques, devenues quasi introuvables, que personne ne se bouscule pour découvrir par ailleurs, La Reine du mal (1974) et La Main du cauchemar (1981), tout en scénarisant des projets plus ambitieux sans pouvoir réellement envisager leurs mises en scène, faute de notoriété. Scénariste à succès, on lui doit les scripts de Conan le barbare (John Milius, 1982), Scarface (Brian De Palma, 1983) et L’Année du dragon (Michael Cimino, 1985), il remporte son premier oscar dès 1978 pour celui de Midnight Express d’Alan Parker. Sa carrière bascule en 1986, avec les sorties à quelques mois d’intervalles, de deux films qu’il réalise, Salvador et Platoon, œuvres affirmant un goût pour les sujets brûlants, la guerre civile en République du Salvador pour le premier, le conflit vietnamien pour le second. En dépit d’accueils favorables, seul le deuxième connaît le succès, profitant de l’engouement du public pour les fictions traitant du Viêt Nam (Voyage au bout de l’enfer, Apocalypse Now et Rambo viennent d’en faire la démonstration les années précédentes) et à la faveur d’un traitement très immersif, Platoon explose le box-office en plus de permettre à Stone de rafler les oscars du meilleur film et du meilleur réalisateur. Ellipse, cinq ans et trois longs-métrages plus tard, une nouvelle statuette du meilleur réalisateur remportée pour le deuxième opus Vietnamien, Né un 4 Juillet, le cinéaste s’apprête à déferler par deux fois sur les écrans, avec The Doors puis JFK. Sa situation n’est plus la même, les succès et les récompenses l’ont hissé parmi les personnalités les plus en vue d’Hollywood, en mesure de proposer des films potentiellement exigeants formellement, ambitieux thématiquement, virulents dans leur propos et cerise sur le gâteau à même de s’octroyer les faveurs du public. On pourrait même pousser la réflexion jusqu’à en faire – pour le meilleur et pour le pire – un pilier incontournable de la culture populaire, son influence s’étendant au-delà du seul cinéma : Midnight Express et ses relents xénophobes ont violemment impacté le tourisme en Turquie (et par extension le PIB), Scarface et Wall Street ont à leurs dépens engendré des « mythes » contemporains, Tony Montana devenant – entre autres – une icône hip-hop encore en vigueur aujourd’hui, tandis que Gordon Gekko inspire la vocation de nombreux traders. JFK et Tueurs Nés enfonceront le clou, le premier conduisant au vote d’une loi en 1992 visant à déclassifier et rendre public certains documents relatifs à l’assassinat de Kennedy, le second valant des procès au réalisateur accusé d’avoir influencé un couple de tueurs…

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L’origine du projet The Doors remonte à 1988, soit dit en passant année de la sortie du très bon et trop méconnu Talk Radio (rebaptisé ultérieurement Conversations Nocturnes), lorsqu’un producteur sonde le cinéaste quant à son intérêt concernant un éventuel biopic sur les Doors. Cela fera bientôt vingt ans que Jim Morrison est mort, son aura est toujours aussi grande et surtout fait important quant à la concrétisation de l’entreprise, les droits sur les chansons sont en voie d’être disponibles. En 1980, Brian de Palma pencherait lui aussi un film sur le groupe, avec John Travolta, avant de consentir à s’y résoudre précisément faute de parvenir à mettre la main sur les droits musicaux. S’il confesse ne jamais avoir envisagé la chose, Oliver Stone est d’une part un admirateur du groupe mais surtout, se rappelle au souvenir de son retour du Vietnam où son premier scénario de court-métrage s’intitulait Break, fut directement inspiré par chanson Break on Throught (To the Other Side). Il accepte alors de se lancer dans l’aventure, co-écrivant avec Randal Johnson, une fiction retraçant l’histoire du groupe de ses débuts à la mort de Jim Morrison, condensant une période courte mais intense en 2h15. L’histoire commence en 1965, Jim Morrison (Val Kilmer) étudiant en cinéma à UCLA (University of California, Los Angeles) et auteur de poèmes, rencontre Pamela Courson (Meg Ryan) dont il s’éprend. Les poèmes et la sensibilité artistiques de Jim, ne tardent pas à impressionner Ray Manzarek (Kyle MacLachlan), un groupe va se former… Globalement accueilli de manière mitigée, suivi de résultats assez moyens au terme de son exploitation en salles, le film est très vite balayé dans l’inconscient collectif par JFK, à l’inverse, régulièrement cité parmi les meilleurs travaux de son réalisateur. 28 ans plus tard, en partie à la faveur du carton récent de Bohemian Rhapsody, The Doors bénéficie d’une seconde vie, avec ce final cut (légèrement plus court que la version originale, la différence étant la suppression de la séquence au Château Marmont, jugée superflue par le metteur en scène) restauré et adapté aux standards de pointe (4K pour l’image, Dolby Atmos pour le son), projeté à Cannes Classics au mois de Mai puis repris en salles en Juin avant d’arriver en vidéo début Juillet dans un steelbook contenant un Blu-Ray 4K et 2 Blu-Ray. L’heure de la réhabilitation a t-elle-sonnée pour ce qui fait office de mauvais élève, de mal-aimé en plein cœur d’une période de folle popularité pour le réalisateur ? Confessons-le, Oliver Stone fut pour l’auteur de ces lignes, un cinéaste très important dans son parcours cinéphile, notamment durant la fin de son adolescence, il n’a pourtant cessé d’entretenir des rapports ambivalents avec l’œuvre évoquée. La redécouvrir une bonne dizaine d’années après les premiers visionnages, était autant l’opportunité d’affiner notre jugement (voir revenir dessus) que de nous replonger, non sans excitation, au beau milieu de temps forts cinématographiques et cinéphiliques, nous ayant durablement passionné.

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Cinéaste très ancré dans son époque avant de se retrouver partiellement dépassé (ce qui ne nous empêche pas de défendre la majorité de ses réalisations des années 2000 et 2010, force est de constater que l’impact ne sera plus le même), Stone, s’il a le plus souvent évité de tomber dans les travers d’une forme « à la mode » (la frontière peut être ténue avec la « modernité »), laquelle a mis à mal la postérité de plusieurs de ses collègues (Alan Parker en tête avec qui il a collaboré par deux fois) a parfois flirté avec des codes esthétiques aujourd’hui datés et ou désuets. On pense notamment à un film comme Wall Street, dont la direction artistique a pris un coup de vieux (costumes, technologies,…), obligeant à la nostalgie pour une appréciation intacte. Dans cette configuration, The Doors peut se targuer d’avoir fait mieux que survivre au temps, à bien des égards il préfigure certaines projets phares à venir (Tueurs Nés et ses visions psychédéliques en tête), tout en investissant dans un climat sans équivalence dans l’Histoire américaine, la fin des années 60, créant ainsi un décalage entre la période de tournage et celle dépeinte à l’écran, influant d’entrée des perspectives esthétiques venant trancher avec les longs-métrages précédents. Mis en rapport avec les biopics contemporains déferlant par vagues depuis au moins quinze ans, la comparaison va très facilement à son avantage, à la simple faveur de fondamentaux : des partis-pris narratifs, visuels et sonores affirmés en plus d’un point de vue sur son protagoniste. Cela en fait-il subitement une réussite majeure ? Non, mais à y regarder de plus près, le film occupe une place charnière dans la filmographie de son auteur, synthétisant une première partie de carrière pour mieux amorcer la suivante (consciemment ou inconsciemment d’ailleurs), il est aux années 90 ce que sera le conspué Alexandre (bien qu’inégal, le final cut repensant très largement le montage originel, sorti en 2015 amène à reconsidérer la chose) aux années 2000, une sorte de grande œuvre malade régulièrement passionnante (et dans le cas présent dotée d’un pouvoir de fascination non négligeable). Dans une moindre mesure, Savages (2012), éminemment plus mineur dans ses intentions de départ, qui illustre et résume les dilemmes auxquels est confronté son cinéaste derrière ses contours de thriller violent et sexy, occupe une position similaire au début des années 2010.

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À travers The Doors, Olivier Stone s’attache moins à faire l’hagiographie filmée de Jim Morrison qu’à tenter de retranscrire l’essence de son art, pénétrer sa psyché, non pas comme une énigme à résoudre mais une matière cinématographique à laquelle il peut plier ses inspirations profondes, lesquelles détournent le biopic classique vers le trip hallucinatoire. En ce sens, la structure scénaristique, chronologique et elliptique, n’a pas une ambition équivalente à la forme choisie, même si le réalisateur ne cherche ni à jouer les instructeurs auprès des néophytes ni à brosser les fans dans le sens du poil. Il n’empêche que ce contraste peut générer l’idée d’une œuvre oscillant entre deux horizons contradictoires, avec le risque de devenir bancale. Le paradoxe étant que cette approche bicéphale épouse métaphoriquement les contradictions caractérisant le portrait même du protagoniste. L’idée d’un personnage aussi profond et précocement mûr artistiquement (cela dès sa première création, un court-métrage présenté en cours de cinéma, ne manquant pas de cliver, amenant son professeur, incarné non sans ironie par Oliver Stone lui-même, à demander des explications sur une démarche encore opaque pour la majorité), qu’immature sentimentalement et inadapté au monde, quitte à le fuir des que possible (avec les excès de substances que cela engendre). Il découle de cette seconde facette des situations parfois d’une banalité coupable (la première interaction entre Jim et Pamela Courson qui semble tout droit sortie d’une sitcom adolescente) et des reproches qui n’ont pas manqué d’être adressés au réalisateur, ceux de véhiculer du héros une image caricaturale et complaisante. Contestable ou pas, ce point de vue assumé témoigne d’un désir de cinéma plus viscéral que théorique, où les sensations importent davantage que le sens, le caméo du réalisateur précédemment évoqué en étant l’illustration méta. Qu’on ne s’y trompe pas, The Doors est moins l’objet mégalo d’un Stone qui se projetterait en équivalent cinématographique de Morrison (même s’il n’est pas exclu que ce dessein ait pu lui traverser l’esprit) qu’une tentative sincère de retranscrire l’impact d’une musique sur une génération de jeunes gens durant la fin des années 60, traduire par les moyens du cinéma un pouvoir évocateur toujours en vigueur. Période de guerre (Viêt Nam) où se répandent massivement des idéaux de paix (montée en puissances des mouvements hippies dont le cinéaste n’a connu qu’une facette, proposant alors par le biais de ce biopic un contre-champs inattendu à ses films de guerres, lui qui ne cache pas avoir supporté la brutalité du conflit vietnamien en ayant recours à certaines drogues et écoutant la musique des Doors. Cette société qu’il dépeint, apparaît comme inévitablement transitoire, temporaire, telle une bulle amenée à éclater, dont Wall Street observera le virage ultra libéral tandis que les aspirations libertaires s’accompagneront de relents mortifères dans Talk Radio, ressemble à un rêve qu’il aurait aimé mais n’a pu connaître.

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Soutenu par une photographie absolument sublime que l’on doit à son fidèle chef opérateur, Robert Richardson (à l’œuvre sur plusieurs réalisations de Martin Scorsese à compter de Casino et sur toutes celles de Quentin Tarantino à partir de Kill Bill) et un montage frappant par sa précision, sa fluidité et son intelligence (on est souvent éblouis par les transitions entre les séquences combinant esthétisme pur et pertinence ou audace conceptuelle), Oliver Stone tend à embraser un rêve de cinéma ample et total. Il confectionne plusieurs instants relevant de la sidération pure, citons comme exemples, ces plans du désert au début où la caméra plane littéralement sur le décor et les personnages ou plus tard lorsqu’il teste au détour d’un passage assez fou suivant la rencontre entre Jim et Patricia Kennealy, une palette de couleurs rappelant autant le cinéma de Mario Bava que celui à venir de Gaspar Noé. Déluge d’effets, tourbillon de sensations et ballet d’émotions, The Doors trouble par sa faculté à ponctuellement, altérer les sens jusque dans son utilisation de la musique laquelle semble interagir directement avec l’image, sans que l’on ne discerne avec clarté ce qui guide la scène, tel un mouvement permanent et insaisissable. Peu avare en termes de fulgurances formelles, le long-métrage ne l’est pas plus concernant les scènes de concerts, nombreuses, faisant l’objet de spectaculaires reconstitutions artisanales (comprendre que tout est vrai, jusque dans le nombre de figurants présents à l’écran), donnant lieu à de vrais morceaux de bravoure visuels, sonore et évidemment d’interprétation. Voici venu le moment d’évoquer le point le point le plus impressionnant et le plus difficilement contestable de l’ensemble, prestation magistrale de Val Kilmer. Acteur de talent à la carrière chaotique, intéressante au début des années 90 avant de se révéler ensuite beaucoup plus inégale, jusqu’à devenir quasi impossible à suivre, elle apparaît surtout ici comme un immense gâchis. Au-delà de l’étonnante ressemblance physique avec le personnage qu’il incarne, c’est la façon dont il lui redonne vie en s’affranchissant des pièges du mimétisme, inspirant un sentiment de jeu complice et de liberté constante, qui laissent pantois. À l’instar de la séquence du concert de « Whisky a Go Go, au cours duquel, il devient par la grâce de son interprétation, le vecteur de la mise en scène, il n’est plus seulement habité par son rôle mais littéralement possédé, donnant l’incroyable illusion que sa vie en dépend. À noter, que la collaboration manifestement tendue entre le réalisateur et l’acteur (réputé pour être difficile voir ingérable sur les plateau) n’empêchera pas une seconde des années plus tard, lors d’Alexandre (2005), dans lequel il incarne le père d’Alexandre le Grand, Philippe II. Détail anodin, pouvant implicitement confirmer la filiation suggérée entre les deux films, son péplum clôturant une décennie marquée par de multiples expérimentations (initiées en 1991 donc) tout en annonçant un virage vers le classicisme que confirmeront World Trade Center (2006) et W. (2008).

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Fiction sans concessions, objet de cinéma imparfait rendu hautement stimulant grâce à une démesure formelle générant des visions surpuissantes ainsi qu’un comédien en état de grâce, The Doors mérite qu’on le réexamine quelque peu. Sans le considérer comme majeur, à proprement parler, il contribue à subvertir le cinéma mainstream, en y injectant des éléments supposément destinés à des propositions plus marginales, tout en se posant en modèle de biopic ambitieux, articulé d’un vrai grand groupe musical (on laisse les puristes comprendre qui est visé). Si l’on avoue avoir tendance à préférer les réalisations antérieures ou ultérieures, celle-ci s’appréhende comme une œuvre clef de voûte dissimulée, beaucoup plus dense qu’elle n’y paraît. Quelques mots pour finir sur la très belle et très complète édition proposée par Studio Canal, la restauration visuelle rend parfaitement justice à une photo qui ne nous a jamais paru aussi somptueuse, quand le travail sonore permettra ceux qui sont équipé pour, de visionner le film chez eux en Dolby Atmos. Plusieurs suppléments parmi lesquels on recommande particulièrement l’interview d’Oliver Stone réalisée pour l’occasion, au cours de laquelle il revient de manière détaillée et avec du recul sur les différentes étapes allant de la genèse à la sortie du long-métrage, nous apprenant notamment que Tom Cruise fut son premier choix dans le rôle de Jim Morrison quand Heather Graham était à l’origine envisagée pour celui de Pamela Courson. Document fourni et concis, nous éclairant sur un certain nombre de points avec un homme toujours désireux de partager. Notons, que le montage cinéma permet de visionner le film avec son commentaire audio, ce qui n’est pas le cas pour le final cut. Quelques suppléments présents sur les précédentes éditions sont réintégrés, comme Un poète à Paris, qui s’adressera plus directement aux fans du groupe. Également, on conseille de jeter un œil aux plus de 40 minutes de scènes coupées précédées d’une introduction très intéressante du réalisateur. Nul doute, les amateurs du cinéaste, des Doors ou des deux, sont face à l’édition ultime et définitive.

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